Vanguardias artísticas del siglo XX: movimientos y obras

Aun cuando fueron minoritarias, las vanguardias artísticas o ismos se convirtieron en un fenómeno artístico de corta duración dado el carácter autosuficiente que pretendió otorgarle a la obra de arte. Esta etapa de la historia del arte se compone de movimientos y grupos que intentan aislarse y negar de manera tácita todo contacto con la representación del arte tradicional. Si en el siglo XIX hay un comienzo de ruptura con el pasado, en el XX se quebranta totalmente y nunca más habrá una unidad de estilos.

Comienzan hacia 1900 y terminan en 1945 aproximadamente. Sin embargo su espíritu perdura hasta casi los 70 pues los artistas siguieron trabajando aunque las tendencias se hubieran disuelto.

Las vanguardias artísticas supusieron una revolución artística pero los lenguajes fueron ajenos a la colectividad y solo la élite fue capaz de interpretarlos, de apreciarlos y comercializarlos. Además, la obsesión de exclusividad que quisieron impregnarle al arte mediante la experimentación de nuevos discursos alejó al artista de la realidad y las problemáticas de la sociedad a la que perteneció.

En 1910 irrumpe la abstracción con Wassily Kandinsky. Hasta entonces, las primeras vanguardias artísticas (Fauvismo, Cubismo, Expresionismo y Futurismo) trabajan desde lo figurativo y con la mirada hacia el arte primitivo (africano, oceánico o las civilizaciones antiguas) pues los modelos occidentales estaban agotados. Se niega la representación compositiva instaurada desde el Renacimiento (la perspectiva, el claroscuro, el pintoresquismo) para crear un espacio fragmentado y en primer plano ya sea mediante el color (Fauvismo) o quebrantando el espacio pictórico (Cubismo).

El cambio inicial será en 1906. Período en el que el Fauvismo como el Cubismo se confirman y abren caminos experimentales totalmente distintos que serán el catalizador para la aparición de diferentes movimientos que se irán superponiendo unos con otros.

Las Vanguardias artísticas

Fauvismo

Serán las “fieras”, denominación adquirida en su primera exposición en 1905 por las características de la pintura, quienes influidos por el tratamiento cromático de los postimpresionistas crearán una obra donde el color estridente es el encargado de estructurar la composición y otorgar luz al cuadro. Sus planteamientos supusieron un escándalo para la época pues el tratamiento cromático prescinde de la perspectiva, el claroscuro y los volúmenes para desarrollar una pintura en la superficie del cuadro, (Gran interior rojo, Henri Matisse).

El movimiento duró muy poco. Hacia 1907 varios de sus miembros lo abandonan. Matisse fue su principal exponente; Camión, Marquet, Manguin, Rouault, Derain, Vlaminck, Braque, Dufy también formaron parte de este.

Expresionismo

El artista expresionista traslada a la obra sus estados de ánimos condicionados por el modo de afrontar y percibir la vida, por estar inmerso en una realidad sobrecogedora y frustrante repleta de conflictos. Esta posición de actuación ante su realidad ya se había visto en otros artistas anteriores como Munch, (El grito), fiel reflejo de la preocupación interna y subjetividad del artista.

El grupo Die Brücke (El Puente), movimiento expresionista alemán, también expresa sus frustraciones alterando lo representado mediante el tratamiento del color en función de la expresión que tiende a la angustia, al pesimismo, a la compasión por los necesitados y a la zozobra frente a un mundo caótico. En sus obras se encuentra la herencia que dejaron los pintores postimpresionistas Van Gogh y Gauguin y rechazan toda representación que se regodee en la belleza o en el ideario burgués.

Los temas a abordar son los desnudos, las escenas callejeras, las bailarinas y artistas de circo, también el pintor y la modelo. En 1905, Kirchner, Heckel, Bleyl y Schmidt-Rottluff fundaron el movimiento. Exponen juntos y comparten la misma percepción que tienen de la vida. Sin embargo, solo será desarrollado por ocho años. Aun así, su intensa actividad provocó que fuera decisivo para las vanguardias artísticas.

Hubo varios artistas que posteriormente se unieron al gremio, como Nolde, Pechstein o Müller. Otros creadores ajenos al grupo conciben obras expresionistas como Kokoschka, Soutine o Kandinsky. Kirchner, el miembro más activo, se interesó por la técnica de la xilografía para denunciar aquella sociedad moderna y desolada, (Marcella).

Der Blaue Reiter, (El Jinete Azul): Fue un grupo gestado en Munich hacia 1912 y constituido por Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Jawlensky -(El velo rojo)-, Kubin, von Werefkin, Münter entre otros. Es una tendencia sin una estética definida -aunque muchas obras de este periodo tienen el aliento expresionista-, siendo un cóctel de lenguajes desarrollados por artistas provenientes de las primeras vanguardias artísticas. Siguen teniendo como objetivo prescindir del academicismo y de la estética tradicional que encuentran obsoleta para adentrarse en lo espiritual que es la vía para llegar a la esencia de la realidad. No tuvo mayor trascendencia pues sus miembros se dispersaron producto de la guerra.

Cubismo(1907-1914)

Picasso y Braque consiguen un nuevo lenguaje que intenta imprimir autonomía  a  la obra. acuden a trivializar y desintegrar el tema, a valorar la forma y a construir un espacio mediante la organización geométrica de los diferentes ángulos del objeto en el plano; así se quiebra el modo tradicional de composición y se consigue un sistema plurifocal de representación. Subyace el concepto de prescindir de la realidad que se percibe, se pierde lo tridimensional, introducen el lenguaje simultáneo y restringen la paleta cromática. Este proceso fue fruto de un largo periodo de experimentación que tanto Picasso como Braque tuvieron que recorrer y al que posteriormente se integraron  Juan Gris y Léger. Ellos serán los creadores más destacados del movimiento. Otros transitaron como Duchamp (Desnudo bajando por una escalera nº2), Delaunay -Orfismo-, Metzinger, Picabia .

Al artista cubista lo que más le interesó fue encontrar un nuevo modo de representar, logro que repercutió para otras expresiones como el Futurismo. Las obras nunca llegaron a la abstracción, no es lo que se pretende Lo importante es que el espectador descifre y componga el cuadro apoyado por el título de la obra y los diferentes puntos de vista de lo representado.

El Cubismo recorre varias etapas: precubismo o etapa cezanniana, (Las señoritas de Avignon), el Cubismo analítico o clásico, con el uso de los tonos grises, marrones, negros y ocres y el Cubismo sintético que acude a la inserción de elementos ajenos (materiales como papel, objetos, números, letras) a manera de collage, (Bodegón con botella de Burdeos de Juan Gris) y al uso de colores más expresivos.

Futurismo

El Manifiesto Futurista de 1909 anuncia el Futurismo en la voz de su portavoz Marinetti.  El discurso agresivo y violento proclama destruir el academicismo, los museos, las normas preestablecidas para adentrarse en el progreso, las máquinas, el movimiento, glorificar el peligro, la guerra y la velocidad… Su aportación al arte estriba en la representación del movimiento frenético y veloz (Las manos del violinista, Giacomo Balla), para captar una escena concreta y plasmar sus distintas secuencias pues la velocidad es el nuevo ideal de belleza. El movimiento dará ese nuevo sentido de representación que buscan con vehemencia aunque com un marcada influencia cubista; sin embargo, siguen apoyados en la manera tradicional de concebir el cuadro y su técnica pictórica será deudora del arte postimpresionista. El movimiento trasciende del arte a la ideología política. Cala en la literatura, la música, la arquitectura o el teatro que servirán, también, como instrumentos de divulgación y propaganda.

Será integrado por artistas como Severini (Bailarina en azul), Umberto Boccioni quien llevó los principios futuristas más lejos, tanto en pintura como en escultura, (Fuerzas en la calle); Carlos Carrá, Luigi Russolo, Tullio Crali, etcétera.

Abstracción

El camino para llegar a la abstracción fue un largo proceso de experimentación. El arte abstracto se libera de lo figurativo para ser un arte no objetivo que prescinde totalmente del tema, factor tan importante en la estética clásica. Será Kandinsky en 1910 quien abre el paréntesis de la abstracción. Otros como Delaunay, Kupka, Malevich, Mondrian o Picabia harán su cambio desde las figuración para adentrarse en la abstracción total.

En el periodo de entreguerras Holanda y Rusia verán la gestación de dos movimientos que intentan lograr mediante el arte una armonía entre el hombre y su entorno: el Suprematismo y el Neoplasticismo.

Neoplasticismo

Mondrian y Theo van Doesburg crean hacia 1917 la revista De Stijl que publica en sus  manifiestos las teorías del movimiento. Trabajan en la búsqueda de una nueva plástica que resulte equilibrada, sobria, ordenada y armónica para una nueva sociedad y estilo de vida ideales que esté construida no desde la realidad objetiva sino desde la interpretación oculta de esa realidad (la cosa en sí). Las formas geométricas como el rectángulo, las líneas horizontales y verticales y un número limitado de colores (los colores primarios, el blanco, el negro y el gris) serán los elementos compositivos para llegar a ese arte puro. La problemática planteada se sustenta en los anhelos del individuo en un mundo armonioso donde no prime el individualismo sino lo universal.

El movimiento se extiende además hacia otras artes como la arquitectura, (la Casa Schröder), hacia la escultura y el diseño.

El artista más importante y fiel a los principios del movimiento será Mondrian, (Tableau I), mientras que Theo van Doesburg evolucionó en su pintura e incluye la diagonal. Georges Vantongerloo, Gerrit Rietveld o Truus Schröder-Schrader también formarán parte del movimiento.

La vanguardia rusa

En sus inicios desligada de todo acontecimiento político (Rayonismo y Suprematismo), la vanguardia rusa nace en un entorno favorable. Moscú y San Petersburgo destacan como ciudades artísticas importantes. Al irrumpir la revolución soviética el arte de vanguardia tomará otros derroteros muy ligados a la ideología socialista.

Rayonismo

En 1909 surge el Rayonismo por el interés de Mijaíl Fiódorovich Lariónov y Natalia Goncharova. Su manifiesto se publicó en 1913 con motivo de la realización de una exposición en Moscú. La tendencia se basa en la relación expresiva de las líneas a modo de rayos de colores que otorgan ritmo a la obra. Se evidencia el influjo de algunas tendencias como el Cubismo y el Futurismo (El Bosque, Natalia Goncharova); también se deja ver un aire figurativo.

Suprematismo

Kasimir Malevich es su fundador. Aboga por la abstracción total a través de la plasmación armónica del juego de formas puras, simples y elementales como el cuadrado, el círculo, el triángulo o la cruz sobre el espacio bidimensional que suprime toda representación anecdótica para llegar a la pureza del arte, (Cuadrado negro).

Constructivismo

Fundado por Tatlin hacia 1910 y cuyas bases serán recogidas en el Manifiesto Constructivista: el arte debe ser utilitario, funcional y abstracto lejos de la concepción y representación convencional y de todo espíritu del régimen zarista. Debe ser un arte para las masas, con un propósito didáctico y afín a la ideología socialista y a los avances del progreso técnico para formar una nueva sociedad. Sin embargo, los hermanos Pevsner y Gabo en su Manifiesto Realista difieren acerca del encasillamiento a que es sometido el arte en las teorías de Tatlin, por lo que promueven el arte puro, la libertad en la expresión despojada de toda ideología política.

En general se decantan por la construcción del objeto en el espacio, destacando la tridimensionalidad, (Monumento a la Tercera Internacional, Tatlin) y posteriormente a la producción.

El movimiento fue más allá de las fronteras rusas y abarcó a la arquitectura, las artes gráficas y las aplicadas, la plástica, la fotografía, el cine y hasta el teatro. Fue censurado y abolido una vez Stalin toma el poder.

Entre sus exponentes cabe mencionar a Pevsner y Gabo, Rodchenko, Tatlin, Popova -(Estudio para una construcción dinámico espacial)-, El Lissitzky, Bárbara Stepanova, et al.

Dadaísmo

Significó una rebelión puntual cuyo propósito fue rechazar todo lenguaje que respondiera a una sociedad que apoya el sin sentido y el caos de las ideologías imperialistas.

Se inicia en 1915 en Zurich en pleno apogeo bélico y en repudio a este. Tristan Tzara será el portavoz del movimiento que critica la sociedad del momento, los avances científico-técnicos y la tecnología, la guerra, los valores establecidos y el arte que responde a la élite. Dadá lanza propuestas transgresoras que echa por tierra y desvaloriza la expresión artística anterior como crítica a lo que deber ser una obra de arte, (Gioconda con bigotes, Duchamp). Lo hace con sus ready-made, objeto cotidiano, la cosa ordinaria que legitiman como arte (Fuente, Duchamp); con los cabarets, el fotomontaje, las schadografías y rayogramas o con disímiles objetos dadaístas como los de Man Ray, (Gift) o los collages tridimensionales o las asociaciones entre aparatos mecánicos y figuras humanas con los que denuncian el progreso y sus malas consecuencias.

Surrealismo

Surge en Francia en la segunda década del siglo XX como un fenómeno literario en sus inicios. André Bretón, su portavoz, declara en el Manifiesto Surrealista el objetivo esencial del movimiento. Nace como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial y se rebelan contra la actitud oficialista, capitalista, nacionalista y corrupta del momento mediante un arte subversivo que represente la expresión libre de los pensamientos del inconsciente tal y como son, en su forma pura sin que intervenga el raciocinio. Ello supuso una heterogeneidad de artistas y lenguajes surrealistas por el carácter subjetivo de la expresión interna del individuo lo que repercute en una mayor riqueza y al mismo tiempo a la disolución del movimiento.

Será una narrativa que niega el arte tradicional por estar influido por las sociedades elitistas y por el poder que han sido la causa de tantos desastres. Se convierte en un movimiento revolucionario que logra trascender al punto que incide en todo el arte posterior del siglo XX europeo y americano.

Desarrolla tres periodos artísticos fundamentales:

• Collage, (1919). Muy cercano a la impronta dadaísta -varios dadaístas se convertirán en surrealistas. Figura importante será Marx Ernst. Destaca en este ciclo las imágenes discontinuas, descontextualizadas y se recurre a la metáfora surrealista.
• Surrealismo abstracto, (1925). Será la etapa en que el movimiento ya ha adquirido un cierto lenguaje que desplegará a partir de las técnicas del automatismo gráfico, (garabato, frotado, carcamonía, raspado del papel, etc.). Klee, Miró, Breton, Masson son los que más se decantan por este nuevo enfoque.
• Surrealismo figurativo, representado por Fridah Kahlo, Magritte, Picasso, Dalí, Leonora Carrington, Remedios Varo (Creación de laves). Será el más popular por sus características formales.

Se recurre a temas como el paisaje o espacios de ensueño, a los autorretratos como animales y a naturalezas muertas o bodegones.

Preguntas frecuentes sobre las vanguardias artísticas

¿Qué son las vanguardias artísticas?

Las vanguardias son el conjunto de movimientos artísticos que se suceden en Europa desde comienzos del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial. Comparten el rechazo a la tradición académica y la voluntad de romper con la representación realista heredada del Renacimiento.

¿Cuáles son las principales vanguardias?

Fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, abstracción, neoplasticismo, constructivismo y la vanguardia rusa, dadaísmo y surrealismo. Cada una plantea una ruptura distinta, pero todas cuestionan que el arte deba imitar lo visible.

¿Qué tienen en común todas las vanguardias?

El rechazo del arte académico, la voluntad de ruptura con lo anterior, la aparición de manifiestos que explican por escrito lo que el grupo pretende, la importancia del grupo frente al artista aislado, y el desplazamiento del interés desde el tema representado hacia el lenguaje mismo de la obra: el color, la forma, el plano o el gesto.

¿Cuándo empiezan y cuándo terminan las vanguardias?

Se sitúa su arranque hacia 1905, con el fauvismo, y su final en torno a la Segunda Guerra Mundial, cuando muchos artistas europeos emigran a Estados Unidos y el centro de gravedad del arte se traslada a Nueva York. A los movimientos posteriores se les suele llamar segundas vanguardias.

¿Por qué se llaman vanguardias?

El término procede del vocabulario militar: la vanguardia es la parte del ejército que va por delante. Aplicado al arte, designa a quienes se adelantan a su tiempo y abren camino, con la idea de que el artista precede a la sociedad en lugar de reflejarla.

¿Qué diferencia hay entre cubismo y abstracción?

El cubismo sigue partiendo de un objeto real —una guitarra, una figura, un paisaje— aunque lo descomponga en planos y lo muestre desde varios puntos de vista a la vez. La abstracción da el paso siguiente y prescinde del referente: la obra no representa nada exterior a sí misma, y el color y la forma se sostienen solos.

Para seguir leyendo sobre las vanguardias

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• Las vanguardias artísticas del siglo XX — el clásico de Alianza: cubismo, futurismo, dadá, surrealismo y abstracción.
• Impresionismo (Basic Art) — introducción ilustrada al movimiento y sus protagonistas.
• La historia del arte, de E. H. Gombrich — el manual con el que han estudiado varias generaciones.

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Características de las vanguardias

Cada vanguardia rompe por un sitio distinto, pero todas comparten una manera de entender qué es ser artista:

1. Romper es el objetivo, no el efecto secundario. No se trata de mejorar la tradición académica, sino de dejarla atrás. La ruptura se busca a propósito.
2. Primero el manifiesto, después la obra. Por primera vez los artistas explican por escrito qué pretenden y contra qué van. Futuristas, dadaístas y surrealistas publican sus programas antes o a la vez que sus cuadros.
3. Se trabaja en grupo. El artista aislado deja paso al colectivo con nombre, revista y exposiciones propias.
4. El referente se va soltando. El fauvismo libera el color, el cubismo descompone el objeto y la abstracción acaba prescindiendo de él. Al final del recorrido, un cuadro ya no tiene por qué ser un cuadro de algo.
5. La obra habla de su propio lenguaje. El tema pierde peso frente al color, el plano, la línea o el gesto. Lo que se mira es cómo está hecha la pintura, no qué representa.
6. Todo va muy deprisa. Los movimientos se suceden en pocos años y se solapan. Un mismo artista puede pasar por tres en una década.
7. Se mira fuera de la tradición occidental. La escultura africana y de Oceanía, el arte popular y el de los niños se convierten en fuentes legítimas de inspiración.